martes, 29 de noviembre de 2016

El problema del cine de Antonioni

Michelangelo Antonioni en la filmación de Blow-Up
El problema del cine de Antonioni (en realidad no sé si es un problema) son sus distintas interpretaciones y lo planteo como un problema porque a la hora de hablar sobre él, las percepciones son muy distintas según el espectador.
El caso puntual de Blow-up (Deseo en una mañana de verano, 1966) no es la excepción, Antonioni dijo “que nuestra teoría sobre la realidad está infradeterminada por los datos; o, por decirlo de otro modo, que nuestro conocimiento es relativo”.
Con tan solo 108 minutos el director intentará de adaptar un cuento de Julio Cortázar que narra la historia de Thomas (David Hemmings), un fotógrafo de moda, que, tras realizar unas tomas en un parque londinense, descubre al revelarlas una forma irreconocible que resulta ser algo tan turbador como inesperado.

Realidad, ficción, o ambas
¿Y por qué será que a esta película se la analiza desde la semiología?, la semiología es el estudio de los signos y Antonioni hace uso de ellos. No solo para retratar una Londres en su estado gris y pop, sino para marcar a una sociedad burguesa de posguerra, aburrida y sin rumbo. Una de las escenas clave de la película es cuando Thomas revela las fotos (a todo esto, el nombre Thomas nunca lo dicen en la película, este dato solo se sabe por el guion), y descubre otra realidad, no la que él había retratado, ni siquiera la que había vivido.
A pesar que en ese momento había tres miradas sobre una misma situación: la nuestra como espectador, la mirada del protagonista y la mirada de la cámara fotográfica, no dejaban de ser lecturas de la realidad. Antonioni dijo sobre la realidad, “Mi problema en Blow up era el de recrear la realidad de una forma abstracta. Yo quería discutir la realidad presente: éste es un punto esencial en el aspecto visual de la película, puesto que uno de sus temas principales es ver o no ver el valor exacto de las cosas” (Tassone, 2006, 137). Las fotos en este caso solo funcionan como metatexto, o sea solo son un comentario de la realidad. Diane Arbus decía que “una fotografía es un secreto acerca de un secreto. Cuanto más te dice menos sabes” (Sontag, 2010, 114).

¿El Final?
En el final, donde se juega un partido imaginario de tenis, nuestro cineasta sigue coqueteando con la realidad misma. En el momento donde el protagonista decide devolver la pelota, nos repite el mensaje nuevamente, pero de una forma distinta al de las fotos en el parque. Por eso Antonioni llega a la conclusión que la realidad no es más que una construcción social, abriendo las puertas de par en par a la confusión entre el ser y el parecer.
No era la idea de este texto, ni de Antonioni aclarecer el misterio en el film, y desde la semiología tampoco, ya que la simbología de la película seguramente será coincidente a mi realidad social y contexto. En fin, la película es Antonioni llevándonos de la mano como invitados a su percepción de la realidad.
Por Emilio Ladetto

lunes, 31 de octubre de 2016

The Invitation (2015)

Normalmente uno no iría a ningún lugar en donde no quisiera estar o si por algún motivo se podría llegar a incomodar. Bueno, como ustedes no lo harían la directora Karyn Kusama les mostrara que pasa en esas reuniones que ustedes no van, gracias a esto recibió el máximo galardón en Sitges 2015.

Primero me gustaría hablarle de la directora, en el año 2000 ganaba el premio “Award of the Youth” en Cannes y luego el mismo año Sundance con Girlfight (Girlfight, golpes de mujer, 2000) protagonizada por Michelle Rodriguez sobre el mundo del boxeo, pero con perspectiva de género. Inmediatamente posterior a esto Hollywood le abrió la puerta para terminar en dos grandes fracasos, Æon Flux (2005) y Jennifer's Body (Diabólica Tentación, 2009), esto la termino alejando de sistema de las grandes producciones. Pero le costó mucho trabajo volver al cine, 6 años después pudo encontrar una historia intimista y de poca producción que le permitirá hacer las cosas a su manera. Sobre esto Karyn dijo “En Hollywood hay oportunidades para las mujeres, pero no las buenas: no nos llegan los guiones buenos, no se nos anima a ser ambiciosas… Para trabajar tenemos que conformarnos. Los directores hombres hacen películas sin parar, aunque tengan un gran fracaso”

La película trata sobre un hombre que, junto a su nueva pareja, es invitado a casa de su ex esposa, donde se llevará a cabo una fiesta. Promete ser un reencuentro entre amigos que tienen años sin verse. Los habitantes de esta casa empiezan a revelar su nuevo estilo de vida. Las sospechas no tardaran en aparecer, no todo parece ser lo que es.

La filmación se hará en una sola locación, facilitando algunas cosas, pero requiere de otras habilidades para llevar bien el relato. Con una cámara que nos invita a ser parte de la reunión o en otras ocasiones cómplices y observadores. Un thriller apasionante, con todos los elementos de cine de suspenso de los 70. Los cambios de atmósfera logrados por la directora, generan distensión por momentos y después nos vuelve a sumergir en la incomodidad. Karyn miro mucho de genero paranoides como Klute (1971) y The Parallax View (El Ultimo Testigo, 1974), que abrazaban la oscuridad en su esquema visual.


Podríamos decir que la última escena tiene una representación simbólica muy grande, un plano general donde se ve la colina de Los Ángeles que es donde transcurre la acción, esto podría estar haciendo referencia a Hollywood y su manejo industrial del cine. La falta de individualidad, su discriminación hacia la mujer y el doble trabajo del cine independiente para poder encontrar su lugar, síntomas de una industria cansada, con pocas ideas y que a duras pena como un vejo rey león sigue sobreviviendo.

jueves, 20 de octubre de 2016

Now, Voyager (1942)

Érase una vez…

El 31 de octubre de 1942, cuando se estrenó Now, Voajager (La Extraña Pasajera, 1942) nadie se imaginó que ésta seria material de estudio y no solo
cinematográfico, sino que también con perspectiva de género. Hablar de género en esa época era impensado más en la industria de Hollywood, es más, esta película no está concebida en modo critico a la sociedad patriarcal que se vivía, nada más lejos, pero las nuevas miradas tienen algo para decir.
Charlotte Vale (Bette Davis), una mujer de mediana edad que pertenece a una familia acomodada de Boston, vive reprimida y totalmente controlada por su dominante e insensible madre (Gladys Cooper). Gracias a la ayuda de un amable psiquiatra (Claude Rains), Charlotte consigue recuperar la autoestima y superar sus miedos.

Así de sencillo como la ven, esta película tiene 3 nominaciones a los Oscars, incluyendo mejor actriz principal, pero la trama va mucho más allá del simple análisis de superación personal. Primero, su dominante e insensible madre llevaba un matriarcado sobre la familia Vale, pero esta postura es más un patriarcado, ya que todo lo ve desde una óptica masculina, lo único que hizo fue remplazar a su marido. Segundo, vamos a ser testigo de la liberación Charlotte, sometida sistemáticamente a la voluntad materna, la cual marcaba como se tenía que vestir, comer, hablar, que leer, hasta usar anteojos que no necesitaba.

Una da las teorías feministas no está de acuerdo con la liberación de la que seremos testigos, porque se lleva a cabo por la ayuda de 3 hombres en distintas etapas. En el ensayo de Lea Jacobs "La extraña pasajera: algunos problemas de enunciación y diferencia sexual" dice "Charlotte reclama tanto su narración como su deseo a través de los ojos de un hombre. Charlotte tiene acceso al lenguaje a través de Jerry, sus actos de habla los realiza desde la posición de él".


Pero La Extraña Pasajera tiene una segunda etapa, donde Charlotte vuelve a su casa después de un largo viaje en barco por américa latina donde conoce a Jerry, el amor de su vida, pero este está casado infelizmente, condición no suficiente para concretar ese gran amor. Jerry tiene una hija, Tina, la cual es marginada por su madre, la misma situación de Charlotte al principio y ésta decide ayudarle para que no sufra todo lo que ella tuvo que vivir. Toda esta etapa de reivindicación de los personajes, valoración personal y lucha constante contra los estándares de una sociedad cegada por las formas donde el machismo era el lenguaje y en los casos en que las mujeres eran empoderadas ellas actuaban reproduciendo el modelo patriarcal.


La Estrategia

El cine feminista al principio erró su camino, ya que lo único que hizo fue mostrar que las mujeres podían filmar el sexo, la violencia y el amor de la misma manera que los hombres. Lo único que hicieron fue imitar al cine que ellas criticaban. Cuando lo más importante es la mirada del cineasta, es ver como percibe la realidad cada uno de ellos independientemente si son mujeres o varones. Otra es la lucha por un lugar donde se puedan expresar esas miradas. La discriminación por razones de sexo se da cuando haciendo el mismo trabajo las mujeres reciben menos salario que los hombres, la desigualdad por razones de género se da cuando son menos valorizadas las actividades de un género. Pastora Campos en su ensayo El Cine Feminista y el Cine de Temática Femenina revelo que en la última medición que se hizo en el 2001, de 20.000 cineastas, solo 600 son mujeres, un 3%.

Marta Lamas resume muy bien la temática de género en su obra "Cuerpo: diferencia sexual y género", "las personas no sólo somos construidas socialmente, sino que en cierta medida nos construimos a nosotras mismas"

domingo, 15 de mayo de 2016

Fargo (Season 1)

Ustedes vieron lo difícil que es elegir qué ver, ya no solo se limita al cine, sino que ahora hay que sumarles las series de Tv y éstas cada vez se complejizan más, tienen más calidad, mucha producción y grandes autores, no solo en la actuación, sino que también en la silla de la dirección y en la producción. Antes, este tipo de series solo le limitaba a HBO, ahora ya hay varios canales que se animan, AMC, Showtime y hasta páginas de internet, como ser Amazon que ahora está sacando esa gran serie que se llama Mozard in the Jungle. 
Pero hablemos de lo que nos trae por acá,  la serie Fargo, con 20 premios ganados incluyendo dos Golden Globe y más de 80 nominaciones a otros premios internacionales. Lo primero que dicen cuando la recomiendo es “¿la película?, ya la vi, no  soporté a la policía”, (el tema de la policía es para otro post), entonces paso a explicarles, a la mayoría, que hicieron una serie de la película, pero a su vez es difícil contarles de que va, porque es como la película, con una estructura y personajes muy parecidos, pero a su vez es otra cosa. A ver, es como el principio de contradicción Aristóteles, “es imposible que, al mismo tiempo y bajo una misma relación, se dé y no se dé en un mismo sujeto, un mismo atributo”, bueno acá sí sucede.

La serie Fargo creada por Noah Hawley y producida por los hermanos Coen transcurre en el mismo universo ficticio de la película, solo que en el 2006. En tan solo 10 episodios la primera temporada presenta a "Lorne Malvo (Billy Bob Thornton) un extraño personaje que llega a Bemidji, Minnesota. Allí ejerce una gran influencia sobre Lester Nygaard (Martin Freeman), un vendedor de seguro. Conectan desde el primer momento y Malvo confía muchos de sus secretos a Nygaard incluso le propone asesinar a Sam Hess, un matón de instituto que abusaba de él en la adolescencia. Un día Hess aparece muerto y Nygaard intenta mantenerse al margen." Además, van a poder ver a Molly interpretada por Allison Tolman que vendría a ser Marge Gunderson (Frances McDormand) en la película, las dos tienen rasgos muy parecidos y hasta situaciones muy parecidas, pero Molly se logra despegar un poco de su contrapartida, lo mismo sucede con el resto, todos o casi todos son reflejos de los personajes de la película.

Esta serie no se queda en los excelentes guiones e increíble desarrollo de personajes secundarios, lo cual es una de las características más ricas de la misma. Los actores están todos fuera de escala interpretando los mejores papeles de sus carreras, Colin Hanks (Gus Grimly) tampoco se queda atrás con su interpretación de otro policía compañero de andanzas de Molly y que le ayudará en la investigación, no solo van a investigar también van a ser protagonista de una tierna y inocente historia de amor, pero por lejos los mejores personajes recaen en Billy Bob Thornton (Lorne Malvo) y Martin Freeman (Lester Nygaard). Desde Breaking Bad que no veía personajes tan entrañables, conflictivos y con un nivel de complejidad pocas veces visto en la televisión y todo en un marco controlado por una trama que te tiene atrapado desde los primeros minutos de la serie, y que te lleva a pensar capitulo a capitulo “como seguirán desde acá” porque las situaciones son tan inverosímiles y naturalmente creíbles a su vez (otra vez la contradicción), con una mezcla de comedia (humor negro), drama y policial que hacen un coctel que será muy difícil rechazar. 

Fargo deja la vara muy alta para la demás series, porque por más que salga algo mejor, Fargo siempre habrá sido la primera.

viernes, 22 de abril de 2016

Aferim! (2015)

Hace rato que el cine rumano está entre nosotros, de a poco va sacando joyitas que valen mucho la pena tener en cuenta, por nombrar algunas, 1208 East of Bucharest (2006), Closer to the Moon (2014), Tuesday, After Christmas (2010) o 4 Months, 3 Weeks and 2 Days (2007). Todas de temática diferentes pero cada una con su sello personal. Hoy nos toca la nueva película de Radu Jude, una estrella en ascenso que con esta película se terminó de consagrar, para mi gusto.

Aferim! que significa bravo o enhorabuena, es una road movie, western dramático con tonos de humor negro situada a comienzos del siglo XIX en la Rumania rural donde un policía o aguacil como lo llamaban en la época, tiene la difícil tarea de buscar a un gitano de nombre Carfin que se dio a fuga por haber cometido una serie de delitos contra el boyardo (título de los nobles terratenientes eslavos asociados a la nobleza rural). En la búsqueda del prófugo, Costandin, nuestro policía amigo, va a llevar a su hijo Ionita para que lo asista y de paso vaya aprendiendo el oficio de policía. Algo muy bien visto y que te daba cierto estatus social en una época regida por la violencia y un sistema clasista muy riguroso.

Jude utiliza un recurso a la hora de filmar, planos secuencias largas con cámara fija donde se destacan dos cosas: la fotografía mostrando la Rumania campestre en su máximo esplendor y las villas cargadas de sus personajes pintorescos y lo segundo, los extensos diálogos que mantiene padre e hijo, hablando sobre la vida. Durante todo el viaje tanto el de ida como el de vuelta se encontrarán con personajes de lo más interesantes, a los que los protagonistas constantemente están haciendo juicios de valor, con una doble moral en su pleno ejercicio. Entre todo el caos que llevan las ideas y vueltas de los personajes no paran de hablar ni un minuto, hay mucha moralina barata, machismo en su máxima expresión y consejos que habría que tomarlos a la mayoría con pinzas, ya que están ahí solo para demostrar lo contrario.

Una película que seguro pasa sin pena ni gloria debido a su origen rumano y filmación en blanco y negro, algo que ahuyenta al público en general, por eso me tome un tiempo en escribir esto para que no se la pierdan y pueda ser rescatada del olvido.

miércoles, 30 de marzo de 2016

The Lobster (2015)

De vez en cuando uno se sorprende, claro que en el cine cada vez menos, porque la industria está subida a una fórmula de re-frito con 3D que le garantizan éxito y dinero fácil. Esto es posible gracias a un público cada vez más conformista y poco exigente, que solo busca el entretenimiento fácil y distendido ya que “para los dramas esta la vida”, frase de cabecera de los espectadores en general, está bien, podes haber tenido un mal día, semana, mes o hasta un año, y no querés otro tipo de tramas, pero eso es reducir el cine a una expresión muy básica y  sin embargo es mucho más. El cine te hace pensar, te enseña, te hace soñar y por supuesto también te da alegrías.

The Lobster fue la gran sorpresa del 2015, como explicarles, a ver, si yo les digo comedia romántica, ustedes no lo creerían, difícil que una comedia romántica sorprenda… o no?, entonces le agregamos, drama, sci-fi, futuro distópico, ¿mejor, no?  Bueno sumen Colin Farrell, Rachel Weisz, John C. Reilly, Léa Seydoux ( Léa vale por dos), ¿mucho mejor o no? pero hay más: 12 premios internacionales, más de 20 nominaciones incluyendo Premio del Jurado en Cannes.
El genio detrás de esto es el griego Yorgos Lanthimos, ésta es su primera película en inglés, en su corta carrera ya tuvo una película en los Oscars, Dogtooth, nominada a mejor película de habla no inglesa por Grecia. Yorgos entiende el cine y quiere mostrar otro enfoque de problemáticas tan comunes como la soledad. Podría haber caído en muchos lugares comunes sobre este tema, pero su lectura de la realidad pasa muy cerca sin caer en ellos, logrando despegarse de lo convencional, en esta película “narra una historia de amor, ambientada en un mundo distópico, en el que según las reglas establecidas, los solteros son arrestados y enviados a un lugar donde tienen que encontrar pareja en un plazo de 45 días. El tema central es la soledad, el temor a morir solo, a vivir solo, y también el temor a vivir con alguien.

Y si, tienen que verla, es un combo perfecto, lejos la mejor actuación de Farrell, miren que esto es difícil. Las demás actuaciones está de más decir que brillan por sí solas. Un guión tan verídico y tan crudo, que no sabes si reír o llorar. La critica a los convencionalismos sociales es tremenda, una película que tiene de todo, te va a divertir y te va hacer reflexionar en más de un aspecto.

miércoles, 25 de noviembre de 2015

Nuevas Series 2015 Parte 3

No puedo creer tercera parte de este recorrido por lo nuevo que se puede ver en la Tv.


Heroes Reborn: No sabía qué hacer con esta serie, valdría la pena darle una nueva oportunidad?, la temporada 1 me gustó mucho, la dos tuvo sus altos y bajos momentos pero termino cerrando bastante bien, en el comienzo de la 3 la deje porque que era insostenible. Solo por el gran recuerdo que le tengo y algo de fe a su creador Tim Kring la empecé a ver. Se supone que esto va a ser una miniseries de 10 capítulos la cual continúa después del cierre de la temporada 4, a pesar de no haberla visto, se entiende bastante bien, te explican dos o tres cosas y todo empieza a funcionar. De esta solo vi 6 capítulos, la estructura es muy parecida a la primera solamente que acá se necesitan dos personas para salvar el mundo. Varios de los personajes ya no están, pero quedaron varios que sirven de nexo entre lo viejo y lo nuevo, no tiene demasiadas novedades, Kring se juega a lo seguro, por eso garantiza que no va a ser un mal producto, eso si no va a ser destacado tampoco, como ya dije con Ash, esta es otra serie para los fanáticos del género, pero con el extra que tienen que conocer varias cosas de la anterior, mírenla solo con estas condiciones.

Into the Badlands: Esta empezó relativamente hace muy poco solo hay dos capítulos de los cuales solo vi 1. Entonces “La serie sigue la historia de un guerrero y un joven que viajan juntos a través de una peligrosa tierra feudal en busca de sabiduría” los antecedentes no son muy bueno, sus creadores Alfred Gough y Miles Millar son los autores de Smallville aquella serie que mostraba la juventud de Superman, una serie con 10 temporadas bastante mediocre tirando a mala y repetitiva, pero esta gente también son los responsables de Spider-Man 2 una de las mejores, si no es la mejor adaptación de arácnido. En esta serie Sunny el protagonista interpretado por Daniel Wu, también hace las labores de director escritor y productor de la serie. Una serie con mucha acción en un entorno post apocalíptico, con buenas actuaciones y por lo que se vio hasta ahora va a tener subtramas políticas entre los señores feudales, creo que podría andar muy bien.

martes, 24 de noviembre de 2015

Nuevas Series 2015 Parte 2

Seguimos en esta tarea que me propuse de reseñar dos nuevas series por día durante 5 días, con esto cumplo la segunda entrega.


Amercian Horros Story Hotel: Es su quinta temporada pero la pongo acá como nueva ya que sus temporadas son auto-conclusivas así que todas funcionan como la primera. Hotel, así se llama la nueva temporada, en vez de tener un número tiene nombre, como todas las otras tiene un gran elenco, Evan Peters, Sarah Paulson, Angela Bassett, Kathy Bates, Naomi Campbell y Lady Gaga y muchas otras colaboraciones, la lista es interminable, una gran producción y una idea más que interesante, pero el producto final por lo menos en los 6 primeros capítulos que vi no me están deslumbrado como lo hicieron las otras, está apostando mucho al shock, la controversia y lo grotesco, que en la anteriores le funcionó muy bien, pero en este caso no está dando el mismo resultado, de todas maneras hay que seguir viéndola ya que Rayn Murphy no puede sorprender a todos. De que va?, bueno es un hotel quedando en el tiempo, que está lleno de personajes más que pintoresco, asesinos, locos, fantasmas y criaturas tipo vampiros, digo “tipo” porque no se saben bien que son, policías, modelos, editores de revistas, entre todos ellos van a armar una gran trama que poco a poco se irán tocando una a otras.

Quantico: Una de las series con la que más a arriesgue de que va?, “la serie sigue a unos jóvenes reclutas del FBI en su época de entrenamiento, valiéndose de flashbacks y flashforwards para descubrir quién de ellos es responsable del mayor ataque terrorista en Estados Unidos desde el ocurrido el 11 de septiembre de 2001”. Como verán esta serie me recuerda mucho a mí querida serie 24 y a aquel inolvidable personaje Jack Bauer, esto es una de las cosas que más peso tiene a la hora de elegirla, por supuesto con sus diferencias obvias. Otro atractivo es el debut Priyanka Chopra en la televisión, que tiene de particular esta actriz de origen Indio, bueno primero fue Miss Mundo en el 2000 y luego fue estrella en Bollywood (denominación del cine en idioma hindi). Por ahora en sus primeros 5 capítulos tiene muy buena dinámica la serie y funcionan muy bien las elipses temporales, creo que podría funcionar.

lunes, 23 de noviembre de 2015

Nuevas Series 2015 Parte 1

Hace varias semanas empezó la nueva temporada de series, eso hace más difícil el visionado de películas porque a mi pesar veo demasiadas y te ocupan mucho tiempo del que uno le reservaba a las películas, pero bueno hay que darse maña y hacer lo que se puede tratando de dosificar la dosis de series. Pero cada vez se hace más difícil ya que estas tienen mejor producción, con eso me refiero a mejores guiones, mejores tramas, mejores actuaciones y grandes directores que están detrás de cada capítulo los cuales pasan desapercibidos. A continuación voy a hacer un resumen solo de las que empezaron ahora con una temporada uno y las cuales estoy viendo.

La idea es reseñar dos series por día durante esta semana a ver que sale de todo esto.



Blindspot: Primero que nada, Jaimie Alexander una chica muy especial y porque digo esto, y no sé, tiene algo que me llama la atención y algo que no me cierra, como que es muy monótona no cambia de registro, seguro la conocen de la película Thor en la cual interpreta a Lady Sif, en Blindspot aparece en medio del Time Square con su cuerpo llenos de tatuajes y con el nombre de una agente del FBI en la espalada, ah y sin memoria alguna, por supuesto es que la idea es juntarse con este agente e ir resolviendo los tatuajes ya que cada uno de ellos es una pista a modo de acertijo los cuales van revelando un poco de su pasado, mucha acción, un poco de thriller y sobre todo mucho misterio, no me termina de cerrar Sullivan Stapleton su co-protagonista masculino como que no le veo la química entre los dos. Una serie entretenida que hay que tener en cuenta y seguir de cerca a ver cómo evoluciona la trama de los tatuajes.

Ash vs Evil Dead: Todos conocemos a Ash el clásico personaje protagonizado por Bruce Campbell que se quedó grabado en nuestras mentes tras su debut en el año 1987 con la película Evil Dead II (1987) o mejor conocida como Noche Alucinante, pero porque nombro esta y no The Evil Dead (1981) porque su primera película paso sin pena y sin gloria directo al vídeo en Argentina en cambio la del ’87 se estrenó en cine masivamente. Después de esta introducción, vamos a la nueva serie. Una de las mejores cosas que tiene Ash vs Evil Dead es que su primer capítulo está dirigido y escrito por Sam Raimi y los siguientes capítulos por lo menos hasta el 3 están a cargo de Michael J. Bassett, director de Deathwatch (2002) y Wilderness (2006) dos grandes desconocidas del terror que se las recomiendo, o sea que la calidad ya está garantizada. Sobre la producción podemos decir que hasta ahora es bastante buena, los actores están muy bien elegidos, la trama continua las películas originales no a su remake del 2013, humor, terror y mucho doble sentido hacen de esta serie sea una de mis preferidas en este arranque, ojo, es una serie muy particular con mucha sangre y momentos muy densos, solo para fanáticos del genero.

lunes, 19 de octubre de 2015

90 de los 90 - Awakenings (1990)

Sinopsis: A finales de los años sesenta, el doctor Malcolm Sayer (Robin Williams), un neurólogo neoyorquino, decide utilizar un medicamento nuevo para tratar a sus pacientes de encefalitis letárgica, enfermedad que priva de las facultades motoras a las personas que la padecen hasta reducirlas a un estado vegetativo. Poco a poco empezará a manifestarse cierta mejoría en los pacientes, especialmente en Leonard Lowe (Robert de Niro).

Después de un año y meses vuelvo a este pasatiempo que es escribir sobre mi visión de algunas películas. Sigo con el año 1990 y la tarea de tratar de armar un top 10 retrospectivo de ese año ya que en ese tiempo no hacia este tipo de valuaciones. Esta vez me toco saldar una gran deuda, Awakenings era la única película que me quedaba de las nominadas al Oscars a mejor película, en aquel tiempo yo tan solo tenía 15 años y la temática de enfermedades mentales no me atraía para nada. Viéndolo ahora creo que fue lo mejor para la película, 25 años después me nueva visión del cine me dejo apreciarla mucho más.

Penny Marshall su directora venia de un gran éxito, Big (1988) donde Tom Hanks deseaba ser grande, esta película a mi parecer tenía un par de desafíos más que la anterior. Primero trabajar con dos grandes, Robert De Niro y Robin Williams y segundo debía cambiar de registro, de una comedia liviana a un drama médico. Pero Penny salió airosa de la tarea, era mucho lo que tenía que transmitir fuera de la pantalla, las relaciones personales de personajes totalmente apáticos y las relaciones con los pacientes que la mayor parte del tiempo estaban inmovilizados y sin expresiones, una tarea algo complicada, pero muy bien resuelta, tanto es así que obtuvo 3 nominaciones a los Oscars incluyendo mejor película, mejor actor Rober De Niro y mejor Guion adaptado.


Hablando un poco sobre el guion la historia es una adaptación del libro del mismo nombre escrito por Neurólogo Oliver Sacks, basada en su vida y experiencia con pacientes catatónicos debido a la epidemia de encefalitis letárgica que ocurrió en Estados Unidos entre 1917-1928. En la película su personaje es interpretado por Robin Willians.

Una película triste por momentos, pero que nunca pierde la esperanza.

Ficha Técnica
Año: 1990
Duración: 121 min.
País: Estados Unidos
Director: Penny Marshall
Guión: Steven Zaillian (Libro: Oliver Sacks)
Música: Randy Newman
Fotografía: Miroslav Ondricek
Reparto: Robert De Niro, Robin Williams